Los Sarmiento

'Get the gringo': made in México

Community Manager — Thu, 17 May 2012 16:16:45 GMT

Es curioso el regreso de Mel Gibson de esta forma. Se había dedicado a dirigir películas sumamente serias, explicitas y controversiales. Desde “Braveheart”, “La Pasión” y “Apocalypto”, la imagen de Gibson para muchos cambió por completo. No hago hincapié en las cuestiones personales y los lamentables berrinches, desplantes violentos, racismos y locuras del australiano. Me refiero al enfoque y la concepción para hacer cine que propuso. Riesgos serios y reales. Cosas diferentes.

Aquel actor serie “A”, a quien todos referenciamos por primera vez como “Mad Max”, se quitó esta sombra para intercambiarla y echarse sobre el hombro otra más: la de Martin Riggs en la franquicia “Arma Mortal”; producto tremendamente disfrutable, pero de donde sobresalen -sin duda- las primeras dos.

Al menos por 6 o 7 años, Gibson desapareció de las pantallas como actor, hasta que regresó en 2010 con “Edge of Darkness” y un año después, dirigido por Jodie Foster, nos dio la interesantísima “The Biever”.

Ahora regresa a México, país en el que se había instalado unos años atrás para hacer “Apocalypto”. En esta ocasión, como en la pasada estancia, fue el estado de Veracruz, el escogido para desarrollar una historia que, de hecho, transcurre en la frontera; aunque jamás especifican lugar exacto. Podría ser Juárez, Matamoros, Tijuana.

“Get the Gringo” es la historia de un peculiar delincuente norteamericano que termina recluido en una prisión mexicana. La llaman “El Pueblito”. Tiene todos los vicios típicos del terrible y corrompido sistema de justicia y carcelario mexicano. Población flotante, negocios internos, capos, mafias, pandillas, armas, drogas, toneladas de dinero. Ahora El Gringo tiene dos metas que cumplir: salir de esa cárcel que pareciera un carnaval de decadencia y recuperar los varios millones de dólares que se robó y, que a su vez, le robaron. Evidentemente, nada de eso será fácil y en el inter, ocurrirán un sin número de cosas, incluyendo un serio derramamiento de sangre.

Pongamos en una licuadora a “El Mariachi”, “Arma Mortal”, “Prision Break”, “Desperate Measures”, “Carandirú”, una pizca de “Midnight Express”. Podríamos tener la masa para poder hacer esta película. De ninguna manera estoy diciendo que sea una copia, basada en éstas, ni pan con lo mismo. Estoy simplemente intentando descifrar las complicaciones en los componentes.

Es una película de acción y no sólo por las escenas de alta violencia, pero por la ingeniosa trama que se va tejiendo. A pesar de que el género –como el terror- está plagado de clichés y recurrencias, no se sabe con exactitud hacia donde vas y eso siempre se agradece.

La cinta es dirigida por Adrian Grunberg. Es su opera prima y no por esto es un novel. Tiene una tremenda experiencia en la industria, habiendo sido asistente de dirección o director de segundas unidades en proyectos como “Master and Commander”, “Traffic”, “Man on Fire”, “Amores Perros” y, justamente con Gibson, en “Apocalypto” de donde intuimos nació una buena relación que llevó a este par a escribir la cinta, a Gibson a protagonizarla y a la productora del australiano, la compañía Icon, a producirla.

Tenemos una cinta hablada parte en español y en inglés, con un cast de ambos lados de la frontera. Además de Gibson, el siempre maloso sueco Peter Stormare, Bob Gunton (el asqueroso Alcaide Norton en “Shawshank Redemption”) y los actores mexicanos Jesús Ochoa, el grandioso Roberto Sosa y Daniel Giménez Cacho, un actorazo. Dolores Heredia lleva el peso femenino pero hay una parte infantil a cargo de Kevin Hernández.

¿De que galaxia lejana sacaron a este chaval? Es impresionante lo que hace. Posee una gracia y una naturalidad aplastante. Se pone al nivel de cualquiera. Es un bandidito corrompido, con la natural inocencia propia de su edad. No sé que tanto haya batallado Grunberg con él, pero al menos el resultado en pantalla es por demás notable. Ojalá los estereotipos no priven a este chamaco de tener una carrera prometedora y no sea encasillado dado su origen étnico.

“Get the Gringo” regresa a Gibson a la acidez e ironía, a la fantasía violenta de un demente (¿anti?) héroe de acción. Los años que trae encima no le restan de forma alguna patada o presencia. Sigue siendo efectivo.

Es una muy divertida y tremendamente entretenida película de acción, que sin duda alguna hay que ver. En Brasil está actualmente en cartelera, mientras que para México, el estreno nacional es el próximo viernes 25 de mayo. Para Argentina, la fecha programada es 14 de junio.

Por Rafael Sarmiento
Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'El Exótico Hotel Marigold', un respiro para la tercera edad

Community Manager — Tue, 15 May 2012 19:36:36 GMT

Como piezas independientes de un rompecabezas, la cinta comienza a darte un panorama explicativo de cada uno de los personajes. Todos ellos tienen sus propias vidas y dramas, pero todos tienen varias cosas en común: un serio problema que enfrentar, un profundo dolor en el alma. Todos ellos son ingleses y todos ellos son ciudadanos de la tercera edad. "El Exótico Hotel Marigold" (The Best Exotic Marigold Hotel), situado en la India, será el lugar de "reposo" para todos ellos y el lugar en donde tendrán que redescubrir la vida.

Un hombre acosado por su pasado; una viuda; una solterona amargada, enferma y racista; un hombre que aún cree en el amor; un matrimonio recién jubilado; una mujer que ha fracasado en sus relaciones personales una y otra vez. Todos juntos en el mismo lugar, un paupérrimo e improvisado lugar, situado en un país tremendamente diferente.

Hay que decir que, además de ligeramente previsible, tenemos una trama melosa y tierna con momentos muy emotivos. La vieja guardia inglesa toma los roles de estos muy dibujados personajes: Maggie Smith, toda una leyenda viviente; Doña Judi Dench a quien le queda la dulzura tanto como la maldad; Tom Wilkinson, otro actor a quien el tormento le sienta de forma natural; Bill Nighy, siempre apasionado y expresivo; Penelope Wilton puede ser tan clásica como moderna; Roland Pickup en un papel muy gracioso; y Celia Imrie. Todos llevan los principales "senior", además de tener en los "juniors" a Dev Patel, aquel joven londinense de origen Indio que protagonizó "Slumdog Millionaire", y Tena Desae, modelo y actriz de India que debuta en un largometraje de habla inglesa.

El guión es una adaptación de la novela "These Foolish Things" y es dirigido por John Madden. A este realizador le debemos películas como el reciente thriller de acción "The Debt " (conocida como "La Deuda" y "Al filo de la mentira", dependiendo el país), "Shakespeare apasionado" (Shakespeare in Love) y "La Mandolina del Capitán Corelli" (Captain Corelli's Mandolin). Creo que esta última es una perfecta referencia o termómetro para poder también monitorear la temperatura de "El Exótico Hotel Marigold".

A reserva de lo que puedan sentir, gozar o padecer en pantalla, en mi opinión se abusó un poco del sentimentalismo, lo que provocó que no todas las escenas o argumentos fueran creíbles, conmovedoras o poderosas, creando entonces ciertas curvas negativas un tanto aburridas. Le sobran de 15 a 20 minutos. Llega a ser ligeramente pesada en momentos. Cuando se ansían conclusiones, no es buen síntoma.

Por otro lado, hay que señalar las lindas cualidades de la cinta. Hay un humor muy blanco e inocentón a veces efectivo. Hay buenos diálogos y debates, de la mano de actores experimentadísimos. Un contínuo sentimiento de pesadumbre mezclado con compasión y ternura se cruzan con muchos de los personajes, quienes llevan el mayor peso en la trama y, claro, muchas escenas tremendamente cursis y melosas, pero agradables. La India se presta además para jugar con recursos visuales. Es un festín de colores y caos que ayudan a condimentar la trama.

"El Exótico Hotel Marigold" es de esos films que odias con toda tu alma o te cautivan. Tiene esta manufactura y características de película "bonita", cuya dulzura a algunos complacerá y a otros podrá parecer empalagosa y les causará coma diabético. En México la tenemos en pantalla actualmente y en la Argentina abre este jueves. En Chile se estrena en el mes de agosto. Buen "date movie".

Datos amoelcine.com de "El Exótico Hotel Marigold":

El director John Madden ya había dirigido a Tom Wilkinson y Judi Dench en "Shakespeare Apasionado". De hecho, por esa cinta, Dench ganó el único Oscar de las seis nominaciones que tuvo a este premio.
Para Tom Wilkinson, "The Best Exotic Marigold Hotel" es el tercer proyecto dirigido por John Madden, ya que también fue parte del elenco de "La Deuda".
Judi Dench y Bill Nighy ya habían compartido créditos en el grandioso film "Escándalo" (Notes on Scandal).
Tom Wilkinson y Bill Nighy compartieron créditos en "Operación Valquiria" (Valkiria).
Maggie Smith y Bill Nighy formaron parte del cast de las películas de "Harry Potter", franquicia donde el gran grosso de los histriones clase A de la Gran Bretaña han participado.

Por Rafael Sarmiento
Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'21 Jump Street - Comando Especial'… diferentes generaciones

Community Manager — Mon, 07 May 2012 20:27:52 GMT

Pertenezco a aquella generación que creció viendo "21 Jump Street" en mis últimos años de primaria. Fuimos testigo de una interesante generación que nacía, pero que realmente no terminó de cuajar, salvo el caso de Johnny Depp, hoy con una prominente carrera. Otros parecían tener potencial, no terminaron de dar el estirón y hoy son un muestrario de cirugías como tristemente lo es Richard Grieco.

Aquella serie de televisión del último lustro ochentero tenía un planteamiento interesante: jóvenes pertenecientes al cuerpo policíaco que, por su físico joven y forma de vestir, podían tranquilamente infiltrarse en los bachilleratos y universidades para investigar y resolver casos y hacer los arrestos necesarios de los delincuentes. La mera idea ya es un éxito. La serie, al menos en México, también lo fue.

Nunca he sido fan de las reversiones y, generalmente, estas son de los clásicos. Han pasado 25 años desde que la serie fue estrenada y una generación completa no conoció de qué se trató. Mis expectativas eran mínimas. La vi, de hecho, con cierto recelo, pero confieso que en 15 minutos me enganchó, ganó y divirtió en exceso.

El trasfondo en "Comando Especial" es exactamente el mismo. Dos miembros de la Policía, que siendo "traga-años" en su apariencia, son enviados a un bachillerato para desmantelar una red de distribución de un poderoso narcótico que ya causó la muerte de un estudiante del plantel educativo. Si bien la serie tenía un tono serio, aquí la cinta es todo lo contrario. Arranca por dar un poco los antecedentes de cada uno de estos oficiales desde que eran estudiantes hasta que terminan siendo "pareja" en la fuerza.

Hay una mezcla de comedia y acción que raya en absurdos y carcajadas. Cierto es que el humor estadounidense puede ser simple y rayando en lo bobo, pero reconozco que funciona y hay buenos chistes, frases y gags. Le dieron la clasificación "R" en los Estados Unidos por la violencia, por lo gráfico en cuestiones relacionadas con drogas, por algo de contenido sexual y, además, por el lenguaje. Hay que decirlo, dicen groserías y maldiciones por minuto y es, de hecho, parte de la gracia que tiene, ya que hay personajes como el rapero Ice Cube, quien interpreta al jefe de la división a la que pertenecen estos dos detectives. Él, aunque policía, sigue teniendo esa pinta y comportamiento de "Gangsta" intimidante que maltrata a sus subordinados con insultos creativos, mal humor y una ingeniosa violencia verbal. Tremendo personaje. Ice Cube presidente.

Los papeles principales corren a cargo de Channing Tatum y Jonah Hill. El primero está muy bien, pero Jonah se lleva la película. Grandioso es lo que está haciendo este actor, quien puede darte todo tipo de perfiles en cualquier género que le pongas. Se acomoda de forma grandiosa al drama y manipulación en "Cyrus" o bien "Moneyball" y aquí se convierte en un comediante natural y potente.

Creo que el gran acierto de "Comando Especial" es el jamás haber intentado recapturar el espíritu de la serie, hacerle un homenaje a la misma, darle vigencia con una actualizada o algo del estilo. La realidad es que nada tiene que ver con el programa ochenteno, fuera del hecho de la existencia de una división policíaca de jóvenes dedicada a infiltrarse a centros educativos. El largometraje no pretende absolutamente nada. No hay una sola aspiración fuera de divertir y hacerte pasar un buen rato.

Comenzó el verano boreal y con este empieza el mero entretenimiento pop corn. Está buena para reírte y saliendo de ahí puedes olvidarla y no pasa nada. Aquellos que buscan a la vieja serie, no encontrarán nada.

Dato amoelcine.com: por cierto, pongan atención. Hay un breve cameo de los viejos personajes.

Por Rafael Sarmiento
Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'Apartamento 143'… Funciona

Community Manager — Wed, 02 May 2012 19:47:17 GMT

¿Recuerdan ustedes la muy angustiante "Buried", aquella cinta sobre un soldado en Irak que despierta enterrado en un pequeño ataúd con un encendedor y un teléfono celular? Se la debemos al gallego Rodrigo Cortés. Él fue quien dirigió este proyecto que, de hecho, fue una coproducción entre España y los Estados Unidos, justo como la cinta de la que hablaremos: "Apartamento 143". La misma fue escrita por él, más no dirigida. Esta vez, esa responsabilidad recayó sobre el casi novel barcelonés Carles Torrens.

Alan, un preocupado padre de familia, contrata a un equipo de científicos orientados hacia la parapsicología, después de innumerables y continuos fenómenos ocurridos en su departamento. Tiene dos hijos, una adolescente rebelde que además lo rechaza y un niño pequeño que asegura tener conversaciones con alguien. Durante días y con todos los dispositivos que la tecnología les permite, registran una serie de acontecimientos aterradores, a los cuales tienen que darles explicación. Es entonces que comienzan a armar un rompecabezas que les dirá la verdad sobre lo que está ocurriendo.

Puedo sonar repetitivo, pero repetitivos son los argumentos y los recursos de los que echan mano en este tipo de cintas. Hace 13 años le dieron una refrescada al género y plantearon una historia de puro terror psicológico, presentado además en forma de documental. Hablo claro del "The Blair Witch Project". Tuvieron, además, una campaña viral tan interesante que mucha gente se quedó con la duda de si el caso era o no verdadero. En días en los que las redes sociales no existían, estos innovaron con un ataque basado en un simple símbolo y un muy bien construido sitio web. A partir de aquí se marcó un precedente y con la invasión de los reality shows en la televisión tuvimos un nuevo modelo para contar las historias que al género le acomodan de maravilla.

"Apartamento 143" es una historia de fantasmas planteada a modo reality-documental. Sí, están ustedes pensando en "Paranormal Activity". Puede que tenga elementos de esta, pero también verán cosas de "The Ring", "The Exorcist" y "Poltergeist", lo cual es hasta lógico porque justo de eso va: de un poltergeist. Los científicos registran todo en sus videocámaras. Hacen una serie de entrevistas, graban todo lo que sucede alrededor y en la vida cotidiana mientras se instalan en este departamento y, además, hay cámaras de circuito cerrado y grabación 24 horas. En una edición entre estos elementos, tenemos la película.

Viejas formulas, viejos trucos, nada nuevo, pero, un momento, hay que dejar clara una cosa: esta historia funciona de manera perfecta. Tenemos una narrativa y un juego de tensión y suspenso excelente. Cuando bajas la guardia y crees estar en una zona segura, pueden sorprenderte, lo cual aviva tus instintos y te hace entrar en una fase de autoprotección al estar atento y a la defensiva.

Es convincente y bien presentada y tiene unas escenas verdaderamente aterradoras. El corazón les puede llegar a salir de la caja torácica en diversas ocasiones y, además, a pesar de estar basados en un modelo –ahora- recurrente y con las formulas o trampas típicas, hay de fondo una buena historia con un par de twists interesantes y algunos elementos nada predecibles, lo cual sorprende y te mata con un sobresalto inmenso.

Más allá de las cualidades de la cinta, hay que poner atención en el hecho de que España está creando proyectos para el mercado estadounidense. "Apartamento 143" es un largometraje español, de manufactura completamente ibérica, pero con un elenco angloparlante y estadounidense. El idioma, al final del día, define al mercado en este caso. No es la primera vez que esto se hace, pero resulta interesante como el mercado está cambiando y tomando otros rumbos.

"Apartamento 143", bien. Definitivamente buena opción para pasarlo fatal. Justo como se debe pasarlo en este tipo de films. En México el estreno es este viernes 04 de mayo, mientras que a la Argentina la fecha tentativa de estreno es 12 de julio.

Por Rafael Sarmiento
Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'Pina'... ¿Qué es esto?

Community Manager — Fri, 27 Apr 2012 18:41:53 GMT

Fue parte de las nominadas a Mejor Documental en la pasada entrega de los Premios de la Academia. El alemán Wim Wenders había competido ya en la misma categoría al menos una década atrás con su muy sonoro y colorido "Buena Vista Social Club". Poco o nada tienen que ver estas dos obras, pero de entrada el hecho de que haya sido candidato en esa categoría le ponía una etiqueta a una obra cuyo género es muy difícil de concebir con exactitud. "¿Documental?". No sé si "Pina" lo sea, pero lo que es un hecho es que serán ustedes testigos de un desplante fantástico de la más pura estética conceptual y expresionista a través de un elemento principal: la danza.

Pina Bausch fue una bailarina alemana, creadora de toda una escuela y estilo en danza moderna. Enfocada en nuevas formas y expresiones, tenía una obra -casi en su totalidad- basada en soledad, abandono, arrepentimiento y dolor. Los recursos de esta coreógrafa rompieron moldes por lo que fue criticada sobre todo en la década del 70, cuando creó el Tanztheater en la ciudad de Wuppeertal, donde, de hecho, murió en 2009 víctima de cáncer.

Pina mezcló elementos teatrales y danza. Incorporó, incluso, ciertos sonidos, desde un llanto hasta una risa, y le dio una refrescada enorme a la danza moderna. Amiga cercana del cineasta de Düsseldorf Wim Wenders, quien decidió hacerle esta obra, parte documental, parte montaje, parte instalación, parte película y, sin duda, un gran homenaje –y aquí podríamos fundar un nuevo género cinematográfico: "El Homenaje".

Wenders ofrece perspectivas visuales interesantes para concebir la danza. Ángulos diferentes para retratar un espectáculo típicamente de proscenio y que generalmente digerimos en una forma de conjunto. Puede hacer detalles e ir a lo particular con estéticos movimientos de cámara para ofrecer ese lado no explorado de una de las famosas piezas de la alemana, interpretadas por quienes fueron sus alumnos y su compañía artística.

Para poder entender quién era Pina y qué tipo de trabajo hacía, con esas coreografías casi en patrones de repetición que simbolizan casi una locura plagada de desesperación, su compañía de danza –además de interpretarlas- opina sobre ella o, simplemente, comenta anécdotas. Este es quizá el único elemento de "documental" que tenemos en el film.

Siendo Wenders un tipo poco convencional, haciendo una cinta poco convencional, recurrió también a algo poco convencional para presentar estos testimonios. Tenemos una obra expresiva como la danza y sin lenguaje verbal como la danza. Así, simplemente, filmó a quienes ofrecen los testimonios, pero la voz la escuchas de otra toma y simplemente en "off".

Son seres aparentemente pasivos a quienes, de hecho, les escuchas los pensamientos. Estos pueden ir acompañados de un esbozo ligero de sonrisa cuando lo amerita o expresiones de nostalgia. Lo que ves es el silencio en el sonido y es un lindo recurso que rompe moldes de la forma tradicional de presentar una entrevista o testimonial.

Las instalaciones de las piezas de Pina son presentados en paisajes inusuales. Tenemos una como una esquina en una calle por donde pasa un puente del que cuelga un monorriel. Una alberca olímpica plagada de niños, un puerto de descarga, un arroyo. Todos son fondos poco comunes para presentar un acto como este, lo cual, evidentemente, da una sensación y un resultado visual y auditivo completamente diferente.

Hablada en chino, inglés, alemán, francés, portugués y español, "Pina", de Wim Wenders, es una obra que quizá no a todos los cause el mismo placer. No es una cinta para todos y con esto no me refiero a que vaya dirigida a quienes aman o al menos entienden la danza. Yo soy una de esas personas que nada saben o siguen sobre esta expresión artística; sin embargo, como obra cinematográfica, como concepto visual, me pareció una obra sublime y que para quienes aman el cine debe ser casi una obligación ver. "Pina" no sé exactamente qué sea, pero es una grandiosa obra sumamente diferente. El estreno para México es hoy, viernes 27 de mayo. Échenle un ojo.

Por Rafael Sarmiento
Sigue a @rafalitosarmi en twitter

Andy García: el cristero y el exiliado

Community Manager — Thu, 19 Apr 2012 22:08:15 GMT

Pelo engominado, vestido elegantemente y fumándose un habano en la terraza. Así me topé a Andy García en el hotel más lujoso del Paseo de la Reforma, en México Distrito Federal, ciudad que el cubano visita para promocionar la cinta "Cristiada" la cual protagoniza y que será estrenada este viernes. Su acento es totalmente antillano. Es serio, pero no frío. Algo impersonal, pero tampoco distante.

García es un lobo experimentado y un gran actor. Por supuesto que la película que lanza es tema, pero también lo son sus orígenes y añoranzas. El dolor del exilio y el sueño de volver algún día. De esas cosas platicamos en la siguiente entrevista que otorgó para amoelcine.com:

Rafa Sarmiento: Andy, Bienvenido a México… país que conoces bien ¿cierto?

Andy García: Gracias. Sí, país que quiero y que conozco y donde he hecho… que me recuerde tres proyectos ya.

Rafa Sarmiento: En esta ocasión hiciste "Cristiada". Me parece delicado que dentro de un hecho histórico puede haber tres verdades: la tuya, la mía y la verdad. ¿Cómo encuentras el punto de balance para presentar un conflicto como fue este?

Andy García: Eso es parte de la labor de los escritores que están presentando y organizando un guión. Creo que es casi imposible quedar bien con todo el mundo. Uno dirá que las cosas fueron así y otro no estará de acuerdo y habrá otro más que tenga una versión diferente. Aquí, unos dirán que es una obra maestra, otros dirán que no sirve para nada. Para mí, lo importante es que se esté hablando del tema y que se pueda criticar.

Rafa Sarmiento: ¿Y como actor bajo qué posición te consideras estar? Como dijiste; "quedas bien con unos; mal con otros".

Andy García: Estas cosas no me dan miedo, sinceramente. Más bien me pregunto: ¿Por qué no conocen bien esta historia todos los mexicanos? Está volteada la página y no se habla de eso (sonríe). Más bien la veo como un pedazo de cine. Es una historia basada en un libro de Jean Meyer, un historiador francés, y lo que está en nuestra cinta es lo que viene en ese libro. Por supuesto que había muchas cosas más que explorar. Había demasiadas cosas para ver del Presidente Calles, pero eso nos hubiera llevado a una miniserie de 10 horas. Lo veo como una lucha por la libertad religiosa, pero, al final, una lucha por la libertad absoluta. En este caso era la religión…

Rafa Sarmiento: Que al final del día de eso va tu personaje ¿no? Es un tipo quizá no convencido de la parte religiosa, pero sí del factor libertad de culto que está en riesgo.

Andy García: Estuve leyendo unos libros y efectivamente encontré que no era una persona religiosa. Incluso, el personaje de Eva Longoria, mi esposa, dice "cómo pelear tú con los cristeros si eres ateo".

Rafa Sarmiento: Un ateo, gracias a Dios…

Andy García: Exacto. Ateo gracias a Dios (se ríe). Él creía en la libertad absoluta del ser humano, incluyendo la de la religión. Como general retirado, haciendo jabones… le atraía la idea de regresar a la batalla. Los caballos, las tropas y el ego, porque claro que hay mucho de ego en estas cosas.

Rafa Sarmiento: Puedo entender que la película sea hablada en inglés con el fin de meterse o venderse a otros mercados. La ecuación es lógica, pero realmente me pregunto qué tanto puede interesarle a un mercado extranjero un film como este. Un conflicto mexicano de los 20, una cinta larga. Pienso en "El Alamo", por ejemplo, que fue un fracaso tremendo en taquilla y era una historia que le pertenece a los americanos.

Andy García: ¿Y era buena película?

Rafa Sarmiento: No realmente.

Andy García: Como en la música, considero que hay dos tipos: la buena y la mala. Y sucede lo mismo en el cine. Si es buena, conseguirás que la gente hable de ella. Para mí, el inglés es el lengaje del cine internacional. Esta es una cinta no sólo para el mercado local, pero con intenciones de ser exhibida internacionalmente. Tiene potencial para proyectarse en Francia, Alemania y hasta en España, donde la van a doblar. Hablarla en español reducía el mercado a un segmento específico. No me molesta que sea hablada en inglés; me importaba que fuera una buena película y estuviera bien contada.

Rafa Sarmiento: Ahora que hiciste una película latinoamericana, ¿hay cosquilla por hacer más películas por acá o enfocarás tu carrera a Hollywood, donde ya tienes un buen camino recorrido?

Andy García: Creo que tengo dos vertientes. La primera son las cosas que me puedan ofrecer. Una película mexicana, una argentina, una española, incluso una de Hollywood. Eso no lo controlo, pero tengo una reacción a ello. Si me gusta, lo hago. Si me gusta el guión, el reparto, el director, lo hago. La otra vertiente es las cosas que quiero hacer. Lo que quiero producir. Esas me causan más preocupaciones. Nunca he trabajado en español y me gustaría, pero nunca me han ofrecido algo que me ha interesado. Pero no es algo que me niegue a hacer.

Rafa Sarmiento: Cambiando un poco el tema… ¿Viste "Chico y Rita"?

Andy García: Sí que la vi… No la he visto completa, vaya de principio a fin, pero con interrupciones. Pero completa. Fernando (Trueba) es buen amigo mío y tengo ya un DVD de la película y tendré que verla de nuevo

Rafa Sarmiento: Me interesaría mucho saber qué te parece porque… ¿cuántos años tenías cuando dejaste Cuba?

Andy García: Tenía cinco y medio…

Rafa Sarmiento: Cinco años y medio… tus memorias pueden ser algo limitadas ¿no?

Andy García: Mmm… No son tan limitadas.

Rafa Sarmiento: OK, qué viste en "Chico y Rita" entonces, porque en una película de muchos sonidos y olores y atmosferas y calida… ¿te trajo recuerdos?

Andy García: Sí, sí. Soy cubano, por supuesto, y mi cultura siempre está conmigo y a la música de Cuba le he dedicado una vida. Hice una película con un tema de esa misma época, "Ciudad Perdida". Con ese mundo es muy fácil que me encariñe, o con la música de esa época, y más con el maestro Valdés que hizo una cosa sublime.

Rafa Sarmiento: Decías recién que tus memorias no son tan limitadas y me gustaría saber qué es lo que más recuerdas y, al mismo tiempo... supongo que hay añoranza por volver, por ver, por visitar gente, por reencontrarse. ¿No volviste nunca a nada?

Andy García: Volví a Cuba una sola vez, a la base naval de Guantánamo para hacer un concierto con Cachao y Gloria Estefan y su marido Emilio para unos refugiados balseros. Cuando fui, había 16.000 balseros en Guantánamo. Era una ciudad de tiendas de campaña. Y fue la única vez que regresé. Claro que hay añoranza. Yo escribí una canción para mi película "La Ciudad Perdida" que decía: "La ciudad perdida cuánto te añoré; la ciudad perdida ya te encontraré". Y así es. La tragedia del exilio es el exilio y creo que el exiliado de un país tiene un amor y una nostalgia mucho más profunda a un país porque no puedes estar con ella, es un amor imposible. La amas pero no puedes estar con ella.

Rafa Sarmiento: ¿Y tus memorias?

Andy García: Muchísimas… Son como un montaje. No lo justifico, pero he pensado mucho por qué tengo tantas impresiones tan específicas y creo que, en un momento de mi vida cuando era muy joven, me di cuenta que no íbamos a regresar. Cuando me fui de Cuba nadie me dijo "nos vamos de Cuba y nunca más vamos a regresar". Me lo presentaron como unas vacaciones en Miami, pero no eran vacaciones. Entiendo la posición de padre a hijo, para que no me pusiera nervioso era "nos vamos a ir a Miami, tomate un jugo, nos vamos mañana". ¡Pero no! Llevamos dos años y medio debajo del régimen de Fidel Castro y la cosa estaba bien peligrosa. Ellos querían que nos criáramos en un país libre, básicamente. Entonces… te vas dando cuenta de lo que estás oyendo en la casa respecto a lo que está pasando allá y piensas… "¿Cuándo regresamos? Porque ya hasta me metieron a la escuela y estoy aprendiendo el inglés y qué está pasando aquí". Y entonces creo que, como ser humano, tienes todas estas cosas que dejaste atrás, tus memorias, y las guardas. Sabes que a lo mejor no vas a regresar. Pasa algo en la parte profunda de tu subconsciente de exiliado. Eso pasa.

Rafa Sarmiento: Andy García… un placer y, como siempre, bienvenido.

Andy García: Gracias, muchas gracias.

Por Rafael Sarmiento
Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'Bad ass': buena idea, frío resultado

Community Manager — Tue, 17 Apr 2012 15:31:34 GMT

En Estados Unidos hubo mucho revuelo, por un video subido a YouTube. Hubo un enfrentamiento de un ciudadano de la tercera edad con un joven afroamericano, ambos pasajeros en un autobús metropolitano. Palabras para ambos lados, ofensas, gritos y amenazas. De pronto el viejo perdió la cabeza por completo. Cuando el joven lo toca en un intento de intimidación, el señor le respondió una lluvia de puñetazo. Lo noqueó.

Resultó que ese señor era un veterano de la guerra de Vietnam. Rudo y por demás fuerte, corpulento, valiente y sí, también un poco loco. Shorts, gorra, una camiseta azul con la leyenda "I am a Motherfucker" en la espalda. Una kangoorera y tenis deportivos.

Chequen el video, aunque advertimos que por la violencia del mismo, a algunos pueda parecerles muy desagradable.

De este personaje; este veteranazo enfurecido nace el personaje Bad Ass. Un mexico-americano de la zona rural de California, tiene un tremendo giro en su vida traes enrolarse al ejercito e ir a Vietnam. El panorama que encontró regresando a casa no fue el más alentador.

Las décadas pasaron y ese tipo solitario, en un día cualquiera, tuvo un encontronazo con dos jóvenes neo nazis que hostigaban a los pasajeros de un autobús. Evitando una pelea hasta donde pudo, tuvo que hacer uso de su fuerza bruta. Otro pasajero grabó todo y lo subió a YouTube. Los usuarios lo llaman "Bad Ass". Se convirtió en un héroe anónimo. El valiente que puso en su lugar al "Bully". Un símbolo de justicia para la comunidad.

La mudanza a un nuevo barrio y una tragedia personal, lo harán tomar la justicia en sus puños. Unos puños que pueden ser muy violentos. Cuando todos le dieron la espalda, tuvo que resolver más injusticias y el mito urbano de Bad Ass se convertía en una realidad. Suena grandiosa, ¿no es así?

Odio estereotipar, pero hay que reconocer que Dany Trejo es un tipo totalmente estereotipado. Tiene un físico muy peculiar. La estatura, el pelo, los tatuajes, la cara, la expresión facial, la musculatura, el acento, la etnia y, por supuesto, su filmografía.

Tiene un físico intimidante y es el cliché del badass bastard de origen mexicano en la zona de Los Ángeles. Tiene cara de malo. Nunca vas a hacer una comedia romántica donde el galán es Dany Trejo. No va a funcionar.

Mi punto es que están convocando al actor más especializado en hacer películas kitsch, de violencia absurda y de ese espíritu de mala manufactura, que es parte de la belleza que rodea a este tipo de cintas que emulan los low budgets de acción que pasan directo a video.

Tienes una historia de violencia. Tienes un ícono social marginal, tienes una leyenda urbana. Tienes cultura callejera. Tienes un personaje construido a partir de una gran anécdota. Internet, Street art y a ese actor. Tienes todos los elementos para hacer un film con una fórmula ciertamente probada, pero legítima para el fondo e historia que estás contando.

La realidad es que el proyecto, en tráiler, es muy interesante. Parece que lo tiene todo. Eran elementos muy específicos para hacer un proyecto con características muy definidas pero que terminó en un producto tímido y tibio. Puedo atreverme a decir que a veces rayando hasta en lo cursi, cuando lo que tenías ganas de ver era al más grande "I am a Motherfucker" repartiendo leña por todos lados. Las escenas de acción son contadas, además de muy prolijas. Creo que se necesitaba hasta un poco de mal gusto para ellas. Fueron gráficos una sola vez. Faltó. Le dieron una "R" en Estados Unidos y pudieron haber echado rienda suelta y no lo hicieron.

Aquí no hay nada nuevo, pero hay que preguntarnos por qué disfrutamos este tipo de películas una y otra vez, a pesar de que tienen el mismo espíritu e incluso a veces hasta a los mismos personajes. Disfrutamos "El Mariachi", "Planeta Terror" y "Machete" por igual a pesar de recurrir o incurrir en exactamente lo mismo; lo grandioso era el personaje, la historia, el absurdo y la violencia. Me confieso fan de esas películas, directores, personajes. Esperaba muchas cosas.

El estreno en los Estados Unidos fue este viernes 13 de abril. Para América Latina no hay fecha de lanzamiento tentativa aún. Se dice que irá directo a DVD sin pasar por salas.

"Basada en una historia real", eso es un gancho muy cutre. Que hayan inspirado un personaje simplemente en un hecho y vestuario, no implica que sea una historia real. ¡Es ridículo!

Aquí quizá se cumple el molde de las cintas que van directo a video por el poco efecto y taquilla lograda. Exculpo a Dany Trejo de toda responsabilidad. Hace lo suyo y lo hace bien. El problema es cómo está escrito y descrito su personaje.

Soy partidario de que hay que ver las películas, sin importar las reseñas que puedan encontrar. Pero consideren esto como una advertencia. Aquí el tráiler:

Por Rafael Sarmiento

Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'El fantasma de Madeline O'Malley'

Community Manager — Thu, 12 Apr 2012 15:38:28 GMT

"The Innkeepers" se llama en inglés y es un término para denominar a quienes atienden los hoteles. Podríamos llamarlos "Los Recepcionistas".

La historia transcurre en un hotel llamado el "Yankee Pedlar Inn". Uno de esos viejos predios que alguna vez fueron enormes mansiones y después fueron adaptados para recibir huéspedes en sus múltiples habitaciones. En este viejo lugar, de muy poca afluencia turística, suceden cosas extrañas.

Los únicos dos dependientes del hotel son los testigos continuos de los sucesos paranormales. Uno de ellos, de hecho, tiene equipo especial de grabación y ha ido registrando lo que sucede. La otra empleada, en un principio, está más incrédula pero llega a obsesionarse con resolver qué fue lo que realmente sucedió. Las noches aburridas y tediosas se tornan en pesadillas con una presencia que tuvo una terrible tragedia en ese lugar. ¿Qué fue lo que realmente pasó?

La cinta es escrita y dirigida por Ti West, un director joven originario de Delawere. Está enfocado, sobre todo, en terror y, podríamos decir, de tipo "Lado B". Producciones independientes, presupuestos castigados, poco elenco, etc.

Los protagonistas de la historia son Pat Healy y Sara Paxton. El primero es un actor muy indie y su personaje lo es igualmente. Su compañera es una hermosa jovencita de notable cuerpo, que tiene buenos momentos y otros muy poco convincentes.

Tenemos una muy buena manufactura en la parte visual. Mucha steadycam; largos, tensionantes y angustiantes dollys. Hay emplazamientos interesantísimos. Hay encuadres realmente buenos y un juego de edición que te da perspectivas diferentes.

En la parte iluminación, fotografía, edición hay un muy buen trabajo que le debemos a Eliot Rockett. Otra gran cualidad sin duda es la banda sonora. La música original es de Jeff Grace. La misma secuencia que abre la película y contiene los títulos de apertura, ya contiene una melodía que comienza a ponerte los pelos de punta.

Cuando ves una cinta de terror, vas ya con cierta predisposición a pasarlo mal. Tienes ya un estado mental y anímico dispuesto a ser sorprendido y sentir todo el tiempo una placentera incomodidad con puntos intensos de miedo.

Con esta cinta sucede algo muy similar a lo que sucedió con "Actividad Paranormal". Me refiero a la expectativa que hay todo el tiempo. El estado del espectador es de alerta continua. Hay una especie de mecanismo de defensa. Estás preparado para que algo suceda y el problema es que no sucede nada. Después de estos pasajes, vienen entonces las escenas de tensión. Juegan con tu mente, juegan con tu cuerpo, te hacen sentirte intimidado y oprimido. Los recursos son los típicos.

No sé si esto fue adrede o una mera casualidad, pero pareciera que es una especie de homenaje al género, tomando elementos de las más memorables y celebres películas. Aquellos de ustedes que suelen ver estas cintas entenderán, al verla, las obvias referencias.

Sin afán de echarles a perder la historia ni mucho menos, quiero sólo comentar que hay unas tremendas inconsistencias en la historia. La concentración del conflicto concluye en absurdo desenlace por demás confuso. Vienes de una intensísima secuencia y de pronto llegas a la nada. Es como una enorme barra de dinamita con una mecha que se consume y produce un ensordecedor sonido, además lanzando chispas. Al llegar a la barra, revienta tímidamente.

"El Fantasma de Madeleine O'Malley" es una cinta muy mediana y estándar en el género. Les provocará un par de taquicardias pero un par de corajes también. El estreno en Estados Unidos fue discreto con 25 salas el pasado febrero. En México abre el próximo viernes 20 de abril, un viernes complicado además por las cintas que se estrenan y de las cuales les tendremos información aquí en amoelcine.

Por Rafael Sarmiento

Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'The Grey': ya la vi y ya la vi

Community Manager — Tue, 10 Apr 2012 14:24:18 GMT

En México la llamaron "Un día para Sobrevivir"; mientras que en Argentina, el tÍtulo es "El Líder". Película de acción y suspenso en un tenor de aventura, donde la palabra "sobrevivir" es lo más notable e importante.

Un grupo de obreros petroleros en Alaska sufre un accidente aéreo. La aeronave queda destrozada y los sobrevivientes en medio de la nada. Tendrán que enfrentar bajas temperaturas, poca comida, abusos, desesperación, confrontación entre ellos y, sobre todo, el acecho de los salvajes animales del bosque mientras son localizados y rescatados. El sueño de regresar a casa, pesadillas y constantes alucinaciones con una mujer mantienen vivo al miembro más fuerte de este grupo.

A medida que la trama fue avanzando, caí en cuenta que me recordó a aquella cinta protagonizada por Barry Pepper titulada "The Snow Walker". En ella, un piloto sufre un accidente en los Territorios del Norte en Canadá y debe aprender a sobrevivir con la indígena de la región, que llevaba como pasajera.

Las situaciones me hicieron también pensar en "The Edge". Aquel film del neozelandés Lee Tamahori de finales de los noventa, con Anthony Hopkins y Alec Baldwin. Tras un accidente aéreo, un billonario y acompañantes quedan varados en el bosque, enfrentando terribles peligros, incluyendo un oso grisley hambriento y enfurecido.

Por supuesto que "Viven" pasó como un flashazo por mis memorias. Aquel retrato que se hizo del equipo uruguayo de rugby que quedó a merced de los Andes tras un choque, generó una serie de situaciones e incluso de recursos que aquí fueron replicados.

El hitazo taquillero "Límite Vertical" apareció con muchos de los elementos que dan vértigo y angustia.

"The Grey" no está mal del todo, pero hay que decir que es una cinta promedio y carente de propuestas creativas. El guión remite una y otra vez a los títulos que acabo de mencionar.

Tenemos a un cast muy poco conocido, con la excepción de Liam Neeson. El norirlandés este año cumple 60 años y ha enfocado su carrera a ser un héroe de acción. Cierto que es un tipo muy alto, ancho de espalda, es un "tipote" pero tampoco tiene el físico –y ciertamente- ni la edad para ser el prototipo del héroe de acción hollywoodense, aunque tampoco estorba. Curioso es el enfoque que está tomando.

En su entrada al mainstream fue mucho más dramático: "La Lista de Schindler", "Kinsey", "Michael Collins", "Nell", "Rob Roy". Pero echen ojo de los últimos títulos en los que ha participado: "A-Team", "Taken", "Unknown", "Furia de Titanes", "Battleship". ¿Ven algún patrón?

La dirección es responsabilidad de Joe Carnahan, californiano enfocado en el cine de acción y un tipo que sabe cómo mover la cámara y las situaciones de violencia.

Como lo dije antes: quizá el propósito principal se cumple. El problema –si acaso se le puede llamar problema- es que las situaciones son trilladas y, muchas veces, vistas; esto le resta impacto. Para mí, el pecado más grande en un film está en los baches creativos de los guiones y la falta de efectividad. No hay guión, no hay película.

Podrán pasarlo bien durante el tiempo que dura la cinta con sus reservas y con ciertas risas que provocarán los muy mal logrados efectos especiales; más específicamente aquellos que tienen que ver con los lobos, generados en computadora, y que se ven un tanto "chafas".

Faltó presupuesto y recursos. Para una cinta de esta índole, género y espíritu, se necesita ser gráfico y aparatoso. No lo es. Hay muchas limitaciones. "The Grey", ya la vi, ya la vi y ya la vi. La vi en muchas formas. La vi en muchos títulos. Fue estrenada en México el pasado 16 de marzo y va de salida. En la Argentina llega este jueves 12 de abril.

Datos amoelcine.com:

- Esta cinta es la segunda en la que Joe Carnahan dirige a Liam Neeson. Se conocieron en "The A Team" y de ahí lo jaló a este proyecto.

- Joe Carnahan trabaja actualmente en el guión de "Killing Pablo", intriga sobre la vida y asesinato del narcotraficante colombiano Pablo Escobar.

- La música de la cinta es de Marc Streitenfeld, hombre de confianza de Ridley Scott en cuanto a partituras se refiere.

- Toda la cinta fue filmada en Canadá. Las locaciones fueron en las provincias de British Columbia y Alberta.

- La cinta fue filmada en condiciones climatológicas extremas. Llegaron a soportar hasta 40 grados bajo cero y tormentas de nieve densas, según comentó Neeson en un programa de televisión en los Estados Unidos.

- El presupuesto de la cinta es de 25 millones de dólares.

Por Rafael Sarmiento

Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'Carnage': duelo de actuaciones

Community Manager — Wed, 04 Apr 2012 15:49:05 GMT

En algunos países le pusieron "Un Dios Salvaje" y en otros, como el caso de México, optaron por el muy simplón "¿Adivina Quién Viene?".

Sigo haciendo corajes con los pésimos títulos que los "dioses" del marketing de las oficinas latinoamericanas dan a las películas. "¿Adivina Quién Viene?": suena fofo, simplón y me hace pensar en Ashton Kutcher y Bernie Mac. No es que esto tenga una connotación negativa, simplemente estamos tratando otra cosa y, si bien el humor es el ingrediente principal en esta cinta, se juega otra liga. De nuevo… olviden el título. Hablemos de "Carnage".

El texto original es una obra de teatro de la parisina Yasmina Reza, titulada "Le Dieu du Carnage". Literalmente significa "El Dios de la Masacre". A la pantalla fue adaptado por Roman Polanski, quien además dirige la película.

Dos parejas de padres de familias se reúnen en el departamento de uno de ellos para hablar civilizadamente sobre la pelea a golpes que sus hijos pequeños sostuvieron.

La discusión de quién fue el culpable, cómo se debe enfrentar el conflicto, lleva a estos cuatro adultos a una serie de revelaciones, no sólo de sus verdaderas personalidades, pero también a una confrontación entre cada familia y entre hombres y mujeres, mujeres y mujeres, hombres y hombres, padres e hijos, nuera y suegra y cada uno de los matrimonios internamente. Es decir, todos contra todos.

El caos reina en el departamento de Manhattan de los Longstreet (Jodie Foster y John C. Reilly). Como una bola de nieve, la tensión va creciendo con la presencia de los Cowan (Kate Winslet y Christoph Waltz). Si bien cada una de las situaciones es de inmensa tensión e incomodidad, la risa y ridiculez lleva inmediatamente a soltar varias carcajadas, con chistes recurrentes, como un teléfono que suena e interrumpe, hasta grandiosos, divertidos e inteligentes diálogos.

Una cualidad hermosa en la cinta son los bandazos que uno, como espectador, va dando entre cada uno de los matrimonios. Cuando uno comienza a sentir simpatía por unos y aberración por los otros, inmediatamente los papeles cambian. Eso sucede colectiva e individualmente. Cuando por fin crees que un personaje tiene razón, inmediatamente sucede algo que lo debate y que te hace cambiar la postura y empatía.

Cuando un texto y una interpretación te hacen desvariar y juegan contigo como les da la gana, podemos hablar de un logro aplastante. Creo que aquí es el caso.

Si bien estamos hablando de una película, creo que los recursos cinematográficos son muy limitados. Esto no lo digo de forma negativa o en referencia a una carencia. Son limitados porque así lo ameritaba. La puesta completa es sumamente teatral. Sí, está basada en una obra de teatro, pero aquí el trazo escénico, los largos diálogos, las mismas locaciones, incluso –e irónicamente y si me permiten la comparación aunque suena extraño- en momentos hasta los emplazamientos son teatrales.

Todo sucede en una sala, un baño y el corredor del departamento, donde están los elevadores. Todo transcurre entre estos cuatro personajes que van y vienen, que dan altibajos emocionales.

Van a ser ustedes testigos de una cátedra de actuación. Tenemos a tres ganadores del Oscar y un nominado a este premio; todos ellos dirigidos por otro ganador del Oscar. Actores grandiosos y de trayectoria.

Es una obra de proyección totalmente íntima. Un trabajo muy cercano y personal. Christoph Waltz es simplemente sorprendente, como puede ser un tipo educado y civilizado en un minuto y un animal enfuriado en otro. Winslet ecuánime y prudente en unos, frenética, histérica y resentida en otros. Una olla de presión reventando. John C. Reilly, simpático y conciliador y, al minuto siguiente, un niño mimado y un monstruo de egoísmo. Jodie Foster, la aparentemente feliz, abnegada y sobre todo paciente mujer, que se convierte en una valiente y desesperada maquina de reproches.

Cuatro personajes, una situación difícil y un departamento. Una bomba molotov reventando en el pavimento esparciendo el combustible que alimenta una inmensa llama. Eso es "Carnage", una película sobre un sin número de situaciones que honesta y humanamente no son graciosas ni divertidas, sin embargo… lo son. Se van a divertir mucho.

Mientras que en la Argentina se estrenó el pasado 8 de marzo, en salas de México será hasta el próximo 20 de abril y en Brasil abre hasta el 29 de junio. Vale la pena sin duda. Una grandiosa cinta.

Datos amoelcine.com:

-Por esta cinta, tanto Kate Winslet como Jodie Foster, fueron nominadas en la pasada entrega del Globo de Oro en la misma categoría: Mejor Actriz Comedia o Musical. A pesar de tener esta cinta 40% de posibilidades, ganó Michelle Williams por lo hecho en "My Week with Marylin.

-Kate Winslet estaba planeando vacaciones cuando la llamó su agente por teléfono para decirle que Roman Polanski la quería como protagonista para su película. Por tratarse de él, canceló todo y se fue a trabajar.

-Esta cinta se estrenó en el pasado Festival Internacional de Cine de Venecia.

-La cinta se desarrolla en Nueva York. La pelea de los chicos es en Brooklyn Bride Park, sin embargo, Polanski no pisa Estados Unidos desde 1978.

-Esta cinta es una coproducción entre Francia, Alemania, España y Polonia.

-Costó 25 millones de dólares en total. Este puede ser el sueldo solo de muchas estrellas de Hollywood en proyectos aparatosos.

-Roman Polanski hace un pequeño cameo. Es un vecino que se asoma para ver que sucede en el pasillo.

-El director disfruta mucho actuar. Basta ver "Una Simple Formalidad", de Giuseppe Tornatore, para darse cuenta de sus muy notables cualidades.

-El siguiente proyecto de Christoph Waltz es en "Django Unchained" bajo la dirección de Quentin Tarantino, justo quien lo lanzó a la fama con su grandioso personaje del Coronel Hans Landa en "Bastardos sin Gloria".

Por Rafael Sarmiento
Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'El Lorax': no se trata de lo que es, sino lo que puede ser

Community Manager — Fri, 30 Mar 2012 17:58:29 GMT

Contada en flashback y basada en el libro del celebre escritor de textos infantiles y maestro de la rima Theodor Seuss Geisel, llega a pantallas "El Lorax: en búsqueda de la Trúfula Perdida" (Dr. Seuss The Lorax). Mejor conocido como Dr. Seuss; este autor es casi un clásico para la juventud angloparlante. Decenas de cuentos tiene, de donde sobresalen aquellos que se conviertieron en películas como "El Grinch" (How The Grinch Stole Christmas), "El Gato" (The Cat in the Hat) y "Horton" (Horton Hears a Who), no todas ellas productos o adaptaciones decorosas.

"El Lorax: en búsqueda de la Trúfula Perdida" narra la historia de Ted, un chico de 12 años enamorado e ilusionado con una chica cuya única felicidad sería tener un árbol de verdad. Habitantes de una ciudad plástica y artificial, manejada y manipulada por el bajito y obsesivo Sr O'Hare, tendrán que encontrar un árbol verdadero en un desolador panorama ecológico producto de la ambición y la voracidad humana. El protagonista tendrá que enterarse de la historia del Lorax, el guardián de los árboles y el Once-Ler, un hombre que en su juventud tuvo la oportunidad de cambiar las cosas y no lo hizo. Ahora, el joven podría tener esa esperada oportunidad para poder cambiar la historia para siempre.

La historia se define con un argumento divertido y, por supuesto, con un mensaje grande de fondo. Hay toda una concientización sobre el entorno, la naturaleza, la ambición y las enormes pérdidas que podemos tener si no se respeta algo tan básico y necesario como un árbol. Como en toda cinta animada –casi como una fábula clásica– viene implícita una moraleja dirigida a la familia. Todo se plantea bajo la frase "No se trata de lo que es, sino lo que puede ser", aplicable a un sinnúmero de situaciones y hechos de la vida.

Ciertamente entretenida, aunque quizá no logra el interesante balance que pueden llegar a hacer los guionistas de Pixar o Dreamworks para dar entretenimiento a los menores y a los adultos cumplirles una cuota básica de referencias y chistes más elevados. "El Lorax" es un film muy infantil en el estricto sentido de la palabra, situación hasta lógica, dado el texto y formato original de la historia escrita a principios de la década del setenta.

La animación es responsabilidad de Illumination Entertainmet, compañía que realizó "HOP" y "Mi Villano Favorito" (Despicable Me). Está disponible en formato 3D y en versiones en español e inglés. En inglés, las voces principales corrieron a cargo de Don Danny DeVito, Zac Efron y Taylor Swift. El 3D es muy impresionante, sobre todo en una de las secuencias finales, donde hay una emocionante y muy bien hecha persecución.

Chris Renaud es el director de esta película que, sin duda, a los pequeños va a encantar y dejará a los adultos muy satisfechos. Los fans de los libros de Dr. Seuss quedaron un tanto decepcionados e inconformes con el resultado de la adaptación. La historia con la muy criticada "El Gato", protagonizada por Mike Meyers y Dakota Fanning, se repite. Es valido ser purista. Para quienes son ajenos al texto original en el libro infantil, resultará una buena opción y si tienen hijos o hermanos pequeños un tanto mejor. Hay muchas emociones. Hay momentos de tensión y otros un tanto tristes.

"El Lorax: en búsqueda de la Trúfula Perdida" estrena este viernes en Argentina, Chile, Colombia y México, mientras que a Venezuela arribará el próximo 20 de abril.

Datos amoelcine.com de "El Lorax":

Chris Renaud, director de la película, es también el realizador de "Mi Villano Favorito" y la secuela que viene.
En 1972 se hizo una caricatura de "El Lorax" para la televisión. La voz de este personaje era interpretada por el actor de doblaje Bob Holt, aquel mismo que hizo la voz de los Gremlins en la cinta del mismo nombre.
Para la versión en español de México, Alfonso Herrera, ex integrante de RBD, prestó su voz. En la versión argentina, Axel Kuschevatsky, quien hace los Oscar con TNT, hizo lo propio como el Sr O'Hare.
Danny DeVito tiene experiencia en doblaje. Colaboró con "Los Simpson" e hizo otras películas como "Space Jam" y "Look Who's Talking Now". La última vez que hizo doblaje antes de "El Lorax" fue en 1997 con la casa Disney para la cinta "Hércules", donde interpretó a Philoctetes.
Para Taylor Swift y Zac Efron esta fue la primera experiencia doblando para una película animada.
La película costó u$s70 millones.
Illumination Entertainment es una compañía joven apenas fundada en 2007. Está en Santa Mónica, California, depende directamente de Universal Studios y tiene hasta el momento tres films producidos. Sus fundadores son ex colaboradores de Fox y Dreamworks.

Por Rafael Sarmiento
Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'Diario de un seductor', cosas interesantes y no

Community Manager — Wed, 28 Mar 2012 14:57:37 GMT

No sé a qué viene el título en español. Es terrible y, además, engañoso. Olvídenlo. Descártenlo. El nombre real es "The Rum Diary" (en español, "El diario del Ron"), algo mucho más acorde para esta cinta de Bruce Robinson. La historia original fue vertida en una novela autobiográfica hecha por Hunter S. Thompson, escritor, novelista y periodista estadounidense, colaborador de Rolling Stone, Boston Globe, Playboy y otras publicaciones. Este hombre sufrió una especie de destierro hacia Puerto Rico, donde terminó redactando para un diario pequeño de la isla. Al mismo tiempo, escribió sus memorias y observaciones. Las llamo "The Rum Diary".

Además de esto, Thompson es el precursor de la corriente periodística "Gonzo", aquella que da importancia y relevancia de mayor peso al contexto que a la noticia como tal. Eso provocó que fuera un gran observador y descriptor de los habitantes de la isla y, sobre todo, de los estadounidenses viviendo en ella; a fin de cuentas, la comunidad con la que más convivía.

En esta película, cuyo guión fue adaptado por el mismo Robisnon (quien la dirige), casi como un alter ego viene Kemp, el personaje principal y evidente encarnación de Hunter S. Thompson, a quien Johnny Depp le da vida. La historia, entonces, retrata a un periodista que llega a trabajar a un pequeño diario de San Juan. Problemas fuertes de alcoholismo lo acercan aún más a uno de los fotógrafos del periódico (Michael Rispoli), quien sufre la misma adicción.

En una asignatura conoce a un empresario estadounidense, millonario y arrogante, (Aaron Eckhart) que lo presenta con otros peces gordos, quienes tienen un plan de inversión para la isla. Todo es una gran estafa que se complica mucho más con la presencia de la hermosa Chenault (Amber Heard), la despampanante rubia amante del empresario.

Primero que nada, quisiera elogiar el trabajo del director de fotografía, el polaco Dariusz Wolski. Para que se den una idea de quién es este tipo, fue el fotógrafo de "El Cuervo" (The Crow) y de la esperadísima "Prometeo" (Prometheus), además de hacer varias colaboraciones con Tim Burton. El trabajo de fotografía e iluminación es una grandiosa cualidad en el film. El retrato del San Juan del año sesenta es, en momentos, de gloriosa belleza; en otros, marginal; en otros, misterioso; en otros, decadente; en otros, sugerente.

Johnny Depp ofrece una gran interpretación y dicen que, incluso, está todo el tiempo imitando el acento que Thompson tenía. Sus momentos de ebriedad son vertiginosos, más nunca caricaturescos. Además, hay grandes actores de reparto, como el gran Richard Jenkins o Giovani Ribisi, que esta vez quedó un tanto exagerado. La dadivosa belleza de Amber Heard le quita el aliento a cualquiera. Lleva un papel detonante y radiante de sensualidad. Buenas y creíbles escenas amorosas, a pesar de la diferencia de edad que esta tiene con Eckhart y con Depp, quien casi le dobla en años.

En cuanto al guión, me confieso algo confundido o inconforme. La película arranca y te da una serie de elementos de los que sacas conjeturas. El problema es que, a medida que avanza, la trama te llevan en muchas direcciones y no abunda en nada. Hay momentos en los que, quizá, el espectador se siente un tanto perdido y/o desesperado.

Pareciera una historia de alcoholismo, después una especie de critica y demanda del abuso, imperialismo y concepción del estadounidense sobre la isla y su gente. Pareciera una historia de amor, una intriga policíaca, una intriga periodística e, incuso, una comedia. Hay situaciones realmente divertidas. Sí, hay todo esto en la cinta, aunque no se enfocó específicamente en ninguno de los temas. Poco de todo.

"Diario de un seductor" o "The Rum Diary" ya pasó por México el pasado mes de enero, pero en la Argentina se estrena este jueves y en Colombia abre el 13 de abril.

Datos amoelcine.com de "Diario de un seductor":
- Johnny Depp, además de protagonizar la película, también la produce.
- Tanto Johnny Depp como Hunter S. Thompson son originarios del estado de Kentucky.
- No es la primera vez que Depp interpreta a Hunter S. Thompson. En 1998 hizo "Fear and Lothing in Las Vegas" y el personaje se llamaba Raoul Duke. En "Diario de un seductor" se llama Kemp, pero realmente son la misma persona.
- Fue idea de Johnny Depp traer como fotógrafo a Dariusz Wolski, un viejo conocido para él. Habían trabajado juntos en "Alicia en el País de las Maravillas", "Sweeney Todd" y las cuatro películas de la saga "Piratas del Caribe".
- La última película que había dirigido Bruce Robinson, antes de esta, data de 1992. Fue "Jennifer 8", un thriller sobre un asesino serial con Andy García y Uma Thurman.
- Johnny Depp encontró en la cabaña de Thompson el manuscrito original de "The Rum Diary". Al actor se le debe que haya sido publicado. Él se encargó de encontrar editor y que la obra llegara a las repisas de las librerías.
- En 1987, Bruce Robinson dirigió "Withnail and I". En ella retrató a un alcohólico y consumidor de drogas. El retrato fue tan convincente y crudo que por ello los productores de la cinta (Depp incluido) optaron para que tomara el mando del proyecto.

Por Rafael Sarmiento
Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'Un método peligroso': duelo de actuaciones

Community Manager — Tue, 27 Mar 2012 12:20:23 GMT

Fue parte de la pasada Mostra de Venecia. Misma historia con Toronto, festival que era obvio que tocaba, ya que es la ciudad natal de David Cronenberg, director de la película.

Basada en la novela de John Kerr y adaptada, no sólo del libro, pero también de la puesta en escena de Christopher Hampton, llega "Un Método Peligroso". Esta cinta retrata la breve relación amistosa y mutua colaboración entre los dos grandes psicoanalistas Sigmund Freud y Carl Jung.

A partir del tratamiento de Sabina Spielrein, paciente y amante de Jung y más tarde una consagrada psiquiatra y psicoanalista, se desenvuelve una historia de situaciones fuertes, de exploración de condiciones y vicios humanos. Se tratan temas escabrosos y, podría decir, tabú.

La complejidad de los personajes lleva entonces a un ejercicio histriónico de complicaciones emocionales. Actuar ya es un riesgo emocional. Tratar este tipo de cosas es aún más difícil y hasta peligroso.

Cronenberg es un constante estudioso de las condiciones humanas en temas tabú. Es un tipo atrevido y desfachatado, más nunca burdo y barato. Para muestra, un botón: En 1996 causó mucho impacto con su cinta "Crash", la cual reunía a un interesantísimo elenco (Elias Koteas, Holly Hunter, James Spader, Rossana Arquette y Deborah Kara Unger). La obsesión sexual, excitación con accidentes, lastimaduras, cicatrices y demás desviaciones son examinados bajo la visión del canadiense.

Ahora imaginen que tiene que retratar a una mujer con desvaríos mentales como histeria, crisis depresiva, ataques psicóticos y de ansiedad, trastornos de afectividad, sadismo y ninfomanía. Dos personajes históricos y trascendentes, el entorno previo a la P.G.M. Suena complicado, ¿cierto?

Para la misma Keira Knightley, quien tomó el papel de Sabina fue quizá el reto más grande que había tenido para una película. Cierto es que Cronenberg es un tipo explícito. Recurre al impacto directo mediante imágenes y sonidos para causar shock en su público. Puede ser con cuestiones muy violentas, o puede ser con temas sexuales.

La complejidad en el personaje de Keira Knightley requería, no sólo hacer desnudos o semi desnudos, pero además una serie de juegos sexuales un tanto sádicos y representar los ataques por los que está mujer pasaba y que la tenían casi en un trance. Casi al comenzar la película, en la primer escena de Keira, la verán retorcerse y haciendo las muecas más dolorosas y desesperadas, que incluso borran su evidente belleza. Los viejos días inocentes de "Bend it like Beckham" están a una década de distancia en todos los sentidos. El romanticismo sufridísimo de "Pride and Prejudice" , "Atonement" y "The Duchess" parecieran postales elegantes, parte de la historia ya pasada de una actriz que, con esta película, logra cosas que verdaderamente nunca le habíamos visto. Es casi otra.

Lo de Viggo Mortensen es breve pero grandioso. El neoyorkino de origen danés, lleva una relación cercana a Cronenberg. Tiene pocas partes pero todas estas son notables. Cualquier rasgo del Viggo que conocemos es verdaderamente borrado. La transformación es total y no me refiero únicamente a la parte de vestuario y maquillaje, pero las mismas poses y aires que ofrece, interpretando a Sigmund Freud. No me sorprende verlo haciendo un papel como éste. Es un tipo casi camaleónico, quien puede ofrecer muchos matices de interpretación.

El alemán Michael Fassbender tuvo un grandioso año. Le tocó llevar el rol principal en "Shame", de la cual ya hablamos, y además este papel de Carl Jung. No hay reclamo alguno, al contrario, es grandioso su trabajo en esta película. Sin embargo, quedó de alguna forma opacado u oprimido con la interpretación de sus coprotagonistas.
Quizá en momentos se ve ligeramente exagerado con respecto a la naturalidad que ofrece Mortensen.

Como sea, es una cinta de actores. Es un guión para actores. Hay recursos de apoyo por supuesto, pero se siente. Es evidente que está basada en una puesta teatral. Las situaciones y diálogos fluyen como tal. El trabajo es íntimo. Mucha comunicación entre director y sus protagonistas. Hay ciertos pasajes que quizá, a diferencia de otras escenas, puedan resultar ligeramente densas o al menos como un avance dispar al resto de las secuencias.

Interesantísima película, diferente, muy diferente, densa y fuerte. Definitivamente hay que ver. En México no tiene fecha tentativa de estreno aún. En Argentina, se estrena este próximo jueves. Buena opción para el fin de semana.

Datos amoelcine.com:

-Esta es la tercer película que Viggo Mortensen hace bajo la dirección de David Cronenberg ("Una Historia Violenta" y "Promesas del Este" son las otras dos)

-Christopher Hampton, guionista de esta cinta, escribió también "Atonement", la cual es protagonizada por Keira Knightley.

-Keira Knightley recurrió a Joe Wright, director de "Atonement" para que la ayudara a preparar su personaje en la preproducción de la película. El director le dio una pila de libros que tuvo que leer para poder entender su personaje y los demás.

-La cinta tuvo su estreno mundial el 2 de septiembre pasado en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Aplaudieron a la cinta de pie por varios minutos.

-Viggo Mortensen fue nominado al Globo de Oro por Mejor Actor de Reparto. Coincidió en la ceremonia con su coprotagonista Michael Fassbender, también nominado pero a Actor Principal Drama y no por esta cinta, sino por "Shame".

Rafael Sarmiento

Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'Los niños de la esperanza', otro lado de la historia

Community Manager — Wed, 21 Mar 2012 19:14:48 GMT

Primero que nada, quiero reclamar el título sentimentalista que le dieron en español a la película, que si bien es una aflojadora de emociones y hasta lagrimas, ni siquiera corresponde a la trama y problemática. En el film, de hecho, hay de todo menos esperanza. "La Rafle" es el nombre original en francés, que textualmente significa "La redada" y es mucho más adoc para el retrato de los tristes episodios de la Francia ocupada del '42.

El cine de holocausto se ha convertido casi en un subgénero como, por ejemplo, lo puede ser Vietnam. Aquí, en amoelcine.com, incluso hicimos un conteo de las mejores producciones de uno de los más vergonzosos actos en la historia de la humanidad. De entrada quisiera decir que este relato es sumamente diferente a todo lo que hemos visto en el resto de las cintas y dedicado a un sector o un específico poco retratado, comentado y poco conocido.

Tras la ocupación nazi en la Francia de 1940, los judíos franceses fueron censados y privados paulatinamente de sus libertades. Instaurado el nuevo régimen conocido como "La Francia de Vichy", una manga de títeres de los nazis, se creó un gobierno provisional, la milicia francesa -otra fracción- que junto con la misma policía gala trabajaba hombro a hombro al servicio de la Gestapo y de otros organismos del invasor teutón.

En julio del '42 hubo una masiva redada, donde decenas de miles de judíos fueron arrestados durante la madrugada y en condiciones inhumanas y salvajes. A este hecho se le conoce como "La Redada del Velódromo del Invierno", ya que cerca de 10.000 judíos fueron "encarcelados" dentro del Velódromo de París del barrio 15eme (demolido en 1960) para después ser deportados masivamente a diversos campos de concentración.

"Los Niños de la Esperanza" retrata este hecho con contundencia. Primero hay que decir que el guión le dedica al menos la mitad de la cinta a poner al espectador en contexto, no sólo del problema histórico, sino también para poder generar la empatía necesaria entre cinéfilos y personajes. La aberración de la cobardía indignante de los colaboradores franceses volcados al servicio alemán y la compasión hacia quienes sufrieron este atropello es fulminante. Los chicos juegan un papel básico en esta película. Tristemente, más de 4.000 chiquillos franceses judíos fueron arrestados y deportados ese día. La gran mayoría de ellos murió. La crueldad evidente de un acto como este lleva a escenas congelantes de intransigencia y falta de humanidad. Violencia verbal y física paralizante.

El diseño de arte es una linda cualidad en el film que retrata el período de forma grandiosa. En términos de producción, es realmente notable. No son sólo los vestuarios y peinados, reflejo de la moda de aquella década, sino todo el contexto, set y locación adaptados: coches, trenes, vajillas, mobiliario, joyas, sombreros, cascos, uniformes, cafés, departamentos, comercios y barracas. Además, hay una grandiosa recreación del velódromo, con miles y miles de extras. Toda esa secuencia es grandiosa.

Aunque es una cinta de más de dos horas de duración, fluye con naturalidad y con gran ritmo, sin exagerar en ningún momento. Las actuaciones son medianitas en los niños, en cuyos hombros recae mucho del peso, pero nada grave. El resto de los elementos embonan tan bien que no pierde encanto. Los roles principales son tomados por la hermosa Mélanie Laurent, Gad Elmaleh y el gran Jean Reno, a quien le dieron el póster promocional a pesar de que el peso específico de su personaje no es tan significativo.

El guión y la dirección son de Rose Bosch, la galo-catalana productora y escritora de la "1492 La Conquista del Paraíso" dirigida por Ridley Scott. Apenas es la segunda cinta dirigida por Bosch, quien imprimió un dramatismo efectivo. Sobrantes, quizá, las escenas de Hitler y su staff. No aportan gran cosa, se ven forzadas respecto al resto y la película no se trata de eso. Mera apreciación, ya lo verán ustedes.

"Los Niños de la Esperanza" se estrena este viernes en salas de cine de México. Una producción que, sin lugar a dudas, vale la pena ver y que se las recomendamos ampliamente. ¡Garantizado!

Datos amoelcine.com de "Los Niños de la Esperanza":
- Esta fue la séptima película más taquillera de Francia el año pasado.
- Jean Renó se encuentra filmando "Raspoutine", una vez más al lado de Rose Bosch.
- Los dos protagonistas, Jean Renó y Gad Elmaleh, nacieron en Marruecos y se educaron en Francia.
- Gad Elmaleh participó en "Tren de Vida", cinta también francesa que, aunque en tono más de comedia, iba sobre la persecución judía.
- Mélanie Laurent interpretó a una judía prófuga en la Francia ocupada en "Bastardos Sin Gloria", de Quentin Tarantino. Esta vez le tocó una voluntaria protestante.
- Paciencia para ver a Jean Renó en esta cinta. Aparece por primera vez al minuto 63.

Sigue a @rafalitosarmi en twitter

Por Rafael Sarmiento

'Criaturas ocultas': cualidades fallidas

Community Manager — Tue, 20 Mar 2012 15:49:12 GMT

Desde hace mucho hemos comentado la tremenda crisis creativa que sufre la industria del terror. Si bien el género tiene una serie de formulas y recursos de manual para poder ser efectiva, hay también una necesidad de historias sorprendentes, creativas y diferentes para poder, al menos, elevar el pulso y elevar al espectador por encima de su butaca con ataques de pánico momentáneo.

Me confieso un tipo muy impresionable en ese sentido. Creo que hay un gozo casi masoquista en el género que, casi como una adicción, te invita continuamente a sentir ese nerviosismo incómodo pero imposible de abandonar. Algo un tanto destructivo pero, a final de cuentas, el ingrediente principal de este tipo de cintas.

"Criaturas Ocultas" (Hidden 3D) es la película de Antoine Thomas, sobre un joven que hereda -de su recién fallecida madre- un enorme complejo en medio de las montañas. Allí solían albergar adictos, los cuales eran tratados con métodos poco convencionales y basados en un modelo científico -desarrollado precisamente por esa mujer-. Una expedición a la propiedad desatará el terror entre el grupo de amigos, cuando éstos se dan cuenta de terribles presencias en la ex clínica.

La trama parece invitar, aunque el origen ya parece repetitivo. Lo vimos en "El Orfanato", "The Hole"; vaya, creo que hasta en "El Espinazo del Diablo". Una presencia aterrorizante y con sed de venganza en un lugar siniestro, atacando poco a poco. Aunque la premisa es trillada, el desarrollo puede llegar a ser interesante. Aquí no lo fue.

La cinta es en 3D y un problema notable es que ese no es utilizado como un recurso, pero más bien como un elemento primario. Las escenas fueron construidas para explotarlo, más no para emular lo que sucede en el guión o incluso en el mismo montaje del film. De esta forma, mantiene un ritmo disparejo y con momentos hasta aburrido; algo completamente imperdonable en una cinta del género. No se trata de esas pequeñas bahías negativas para permitirle al espectador descansar un poco y recuperar el aliento. Es más bien una caída libre dentro del interés que se genera.

Los diálogos son poco naturales e ilógicos. Pueden caminar por una capilla, blanca y bien iluminada, limpia y bella y alguien decir: "Es el lugar más tétrico que he visto en mi vida". Lamentable.

El diseño de arte es poco acertado. Elementos innecesarios y clichés ridículos, como la típica muñeca sin un ojo, descabezada. ¿Qué hacía la muñeca en un centro de adicciones? Salida fácil; como esa, varias. Inconsistencias y cosas ilógicas, pero el mismo género muchas veces permite este tipo de cuestiones. Aunque, hasta para tener mal gusto, se necesita ser fino y atinado.

Hay algo de generación por computadora, pero la incrustación es terrible. La música en este tipo de películas es el principal indicador de tensión. En el estricto sentido, cumple la función porque al menos te mete a las situaciones, pero la composición es básica y poco propositiva. Un teclado, notas graves y una progresión misteriosa de cuatro notas y vámonos.

Hay una enorme carencia presupuestal. Es una coproducción entre el Candada e Italia: costó sólo ocho millones de dólares. La gente que hizo la película es prácticamente debutante. Los actores son desconocidos y muy malos. Poco emotivos y posesionados; otra cualidad muy necesaria en el género.

"Criaturas Ocultas" (Hidden 3D) se estrena este viernes en salas de cine y parece casi insultante que los complejos de salas le estén dando cuatro estrellas a una cinta tan mediocre, poco impactante y efectiva como esta.

Si la van a ver, ya saben lo que podrán ver. Poco miedo, muy poco miedo, muy poca tensión, muy poco impacto. Miedo débil. Muy tibio todo. Aquí el tráiler.

Rafael Sarmiento

Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'Al final de los sentidos': lo que nos hace humanos

Community Manager — Thu, 15 Mar 2012 18:17:13 GMT

Coproducción entre Reino Unido y Dinamarca; recién estrenada en pantallas. "Al Final de los Sentidos" es un lanzamiento atemporal que pisó ya varios países y festivales pero que apenas ve la luz por estos pagos.

¿Quién no recuerda aquel segundo trabajo de Dany Boyle, que se convirtió casi en un himno generacional? "Trainspotting" es un símbolo de los noventa y un producto que trasciende los tiempos y formas, pero que tan solo por la moda nos ubica en un período específico.

A pesar de que Ewan McGregor ya había trabajado con Boyle en "Shallow Grave" (Tumbas al Ras de la Tierra) que, por cierto, tiene una conexión con "Trainspotting", fue esta última cinta -hoy casi de culto- la que lo lanzó masivamente.

Nos dieron inolvidables personajes construidos en la muy loca y extremista imaginación del escritor escocés Irvine Welsh. Se autodenomina un observador de la sociedad y, sin duda, hoy en día –aunque él lo niega- un ícono de la literatura pop.

Teníamos a Renton y Spud. Personajes interpretados por los escoceses Ewan McGregor e Ewen Bremner. Estos actores se reencontraron en el año 2001, en la angustiante y belicosa "Black Hawk Down" (La Caída del Halcón Negro), bajo las órdenes de Ridley Scott.

Para 2011, aquellos actores una vez más se encontraron en el set con "Perfect Sense" (Al Final de los Sentidos). Uno llevando la parte principal -al igual que en "Trainspotting"- y el otro un papel de apoyo. Se ve inmediatamente la comodidad y hasta complicidad que pueden tener estos actores, aunque limitadas las escenas que comparten juntos. A todos quienes vieron estas películas, les dará una grata sensación verlos juntos de nuevo.

"Al Final de los Sentidos" narra una historia casi apocalíptica: una pareja se conoce en medio de una epidemia extraña. Todo arranca con repentinos ataques para después perder alguno de los sentidos, hasta que se pierden todos ellos. Sobrevivir bajo estas condiciones es un reto, cuando el mundo literalmente se apaga y la gente se convierte en bultos insensibles de desesperación e ira.

Irónicamente, es una cinta en donde el juego de los sentidos es inmenso. Casi huele, sabe; es visualmente interesante con grandiosa iluminación, emplazamientos y encuadres de la cámara y sonoramente rica. Grandiosa banda sonora.

Los juegos te llevan también a experimentar por segundos la sordera o la ceguera. Aturdimiento total. La falta de sensaciones, que a final del día es lo que nos define como humanos.

Aquellas cosas que damos por sentadas, que a veces ni siquiera nos damos cuenta que tenemos, son valoradas y percibidas con una devoción diferente, después de que se ven alteradas o amenazadas a desaparecer.

No la veo como una "película de desastre", a pesar de que el tema central lo sea, precisamente con esta casi extinción de la civilización con la pérdida de algo tan normal, pero básico como son los sentidos.

A pesar de que hubo muchos pasajes, inclusive visualmente, que me hicieron recordar a "Children of Men" (Los Hijos del Hombre) o también a la adaptación de Saramago "Blindness" (Ceguera) cuyas historias se centran más en dicho conflicto, podría atreverme a decir que es una cinta de amor. La importancia del lazo romántico entre sus protagonistas lleva un peso específico dentro de la trama y, quizá, concluye en esa dirección; o al menos sentí que en ello se enfocó.

Esto nos lleva a hablar de la hermosa Eva Green. A la parisina la pueden recordar en la, un tanto fallida, "Cruzada", de Ridley Scott o en "Casino Royal". Pero preferiría re imaginarla, o al menos sugerírselas, en "The Dreamers", de Bernardo Bertolucci; con todo lo que esto implica.

Eva es una actriz muy versátil y creo que el tono grisáceo de esta cinta y el amor sufrido y tormentoso le van bien. Es creíble y de gran naturalidad entre esta pareja de actores.

Sin duda, de lo que hay en este momento en cartelera, me parece de lo más rescatable y una buena película que ver. Inevitablemente, me hace pensar en el buen año 2011 que tuvo McGregor, haciendo cintas como "The Begginers", la movidita "Haywire" y justamente esta cinta, que actualmente tienen en salas. Les dejamos el tráiler.

Rafael Sarmiento

Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'Pérdida de la inocencia': juegos peligrosos

Community Manager — Tue, 13 Mar 2012 17:59:06 GMT

¿Qué es lo primero que se les viene a la mente cuando les menciono el nombre David Schwimmer? Muchos de ustedes pensarán en la inmediata referencia y ésta es, sin duda, Ross Geller; el entrañable personaje que interpretó en la serie de televisión "Friends" y que lo lanzó mundialmente. Muchos otros, quizá más clavados, pensarán en el manipulador y cobarde Capitán Sobel en la grandiosa épica de la Segunda Guerra Mundial, "Band of Brothers".

Si bien las actividades de Schwimmer están enfocadas a la actuación y, quizá en tonos mucho más amables y de tintes cómicos, hay que decir que este neoyorkino también produce y dirige. De hecho, muchos de esos capítulos de "Friends" fueron dirigidos por él. Mismo caso con la serie cómica de la BBC "Little Britain", pero la versión para el mercado americano, (y transmitida en HBO) la cual es bastante más suavizada y políticamente correcta. Ese era, justamente, el chiste y sazón de la versión de -y para- Reino Unido.

El tomar el mando de un proyecto no es una actividad constante. En películas, como tal, comenzó en 1998 con una producción menor para TV. En 2007 hizo "Run Fatboy Run", una comedia mediana, de elenco y rasgos completamente británicos.

Hoy Schwimmer está en las marquesinas con "Trust", a la cual nombraron en Español, "Perdida de la Inocencia". Un título bastante morboso y explícito para una cinta cuya única traducción era "Confianza". David muestra una cara diferente, mucho más emocional y enfocada a otro tipo de emociones y conflictos. Inclusive, me atrevería a decir que mucho más obscuros y perversos. Esta es una cinta de 2010, estrenada a principios de 2011 en Estados Unidos, pero que llega hasta ahora a pantallas nacionales.

La historia gira en torno a una chica de 14 años que mantiene una relación idealizada con un desconocido con el que mantenía contacto por medio de chats. La virtual relación parece inocente e inofensiva, pero hay ciertas cosas erróneas por definición en esta ecuación. La vida no sólo de la adolescente pero de la familia completa tendrá un giro inesperado y pondrá en jaque la relación y dinámica familiar.

No es ni de cerca una maestría de película, ni una memorable e imperdible. Sin embargo, hay algunas cosas que son muy rescatables y valiosas; me gustaría enfocarme en ellas:

Primero: Me da un gusto inmenso que gente como Schwimmer salga del letargo y comodidad que puede resultar Hollywood para algunos y tome riesgos. No sólo en la parte económica, pero en los procesos y aventuras creativas. Además de dirigir, produce el film.

Segundo: Hay un cruce generacional interesante en donde hay gente experimentadísima como Clive Owen y Catherine Keener. Además de –aunque en un papel muy pequeño- Viola Davis, junto con la juvenil Liana Liberato, quien ofreció una interpretación muy decorosa y buena. Tomó el papel principal con contundencia y ofrece transformaciones grandes en la parte emocional; además es una total "lolita", elemento básico en su papel. Hubo muchas cuestiones a nivel actoral, en las que tuvo que hacer mucho trabajo de expresión corporal y de expresiones faciales, lo que nos lleva al:

Tercero: Hay cualidades visuales interesantes. La parte de los chats, está resuelta con buen gusto e ingenio. Quedó movido e interesante; recae sobre el encanto de Liberato, todo el ambiente y humor que se genera en este.

Cuarto: Es un buen retrato de la transformación en la forma y fondos en los que hoy nos comunicamos, además de los peligros que estas redes y medios suponen.

El anonimato total o parcial que puede haber, da cabida a que sucedan otro tipo de cosas. Con esto, los jóvenes se sentirán identificados con muchas de las situaciones que suceden y al mismo tiempo hay un mensaje de alerta para que midan consecuencias y despierten consciencia.

Para los padres hay también un llamado de atención para mantener conocimiento e involucrarse en las dinámicas de sus hijos. Todo esto, sin ser "moralina" o alarmista, a pesar de que la historia está llevada un poco al extremo y hay cuestiones básicas, muy rebuscadas, absurdas y poco creíbles.

Aun así, la cinta tiene su espíritu y por estas cualidades muy rescatables que le vimos podríamos decirles que vayan a verla. Como producto cinematográfico puede ser quizá desechable. Sin embargo, el esfuerzo está ahí. La película mantiene un buen ritmo y suspenso. Puede resultar entretenida y angustiante, por momentos.

Por cierto: qué grandioso póster promocional hicieron para esta cinta. El arte es excelente. Aquí les dejamos el tráiler de esta película recién estrenada en salas.

Rafael Sarmiento

Sigue a @rafalitosarmi en twitter

Angelina Jolie, como directora: 'In the Land of Blood and Honey'.

Community Manager — Wed, 07 Mar 2012 21:09:11 GMT

El trabajo humanitario que Angelina Jolie ha hecho en la zona de los Balcanes es conocido. Pasó mucho tiempo en Bosnia, Serbia y Croacia y le es familiar el doloroso conflicto que llevó a - la ahora ex - Yugoslavia a dividirse en varios territorios independientes. Quizá desde la Segunda Guerra Mundial no se vivía un conflicto armado tan cruel, injusto y de barbarie como este y del que, por supuesto, pueden salir relatos de diversos matices y temáticas, ya que la contienda fue compleja y con un sin número de elementos a cuestionar o debatir.

Jolie toma la batuta, dirigiendo, escribiendo y produciendo la cinta "In the Land of Blood and Honey". Un largo que retrata la toma de Sarajevo y un amor atormentado entre un hombre y una mujer pertenecientes a países, etnias y religiones diferentes. El tema se ha tocado muy por encima y como pretexto para relatar una historia de acción muy el estilo Hollywood en "Behind Enemy Lines", protagonizada por Gene Hackman y Owen Wilson. Los mismos afectados contaron de forma ingeniosa parte del absurdo que representaba esta guerra en "No Man's Land", misma que se llevó el Oscar a Mejor Película Extranjera y, dicho esto, quiero arrancar justo con ese tema.

Que pedazo de robo y acto de lambisconería casi ridícula de parte de la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood cuando esta cinta de Angelina Jolie fue nominada a "Mejor Cinta de Lengua Extranjera" en la pasada entrega del Globo de Oro. Compitió contra Bélgica, China, Irán y España. Al menos no ganó, si no la estafa hubiera sido completa y digo esto por el simple y sencillo hecho de que la película está hablada en inglés. El que se oiga música hablada en serbio-croata o bosnio o yugoslavo (es la misma raíz aunque tienen diferentes rasgos y pronunciaciones) y que en momentos muy contados, muy superficiales y poco relevantes, se escuche a alguien hablando esa lengua no inglesa no califica de ninguna forma a un film a dicha categoría. Me parece patético que la HFPA tenga que recurrir a estos actos "lame-botas" para quedar bien con alguien importante e influyente en la industria. Hay que decirlo: "In The Land of Blood and Honey" es una cinta Estadounidense hablada en inglés. Punto.

Dejemos a un lado a la HFPA y olvidémonos también un poco de Jolie, su alarmante flacura y su pierna saliendo del costoso vestido de diseñador para meternos al tema y a la película como tal. Una pareja de enamorados salen una noche y una bomba explota en el bar que visitaban y donde bailaban melosamente. Era el principio de un conflicto largo en donde la sociedad se dividió. Un grupo de mujeres son raptadas meses después para servir como sirvientas, casi esclavas, de un grupo de elite militar serbio que ha tomado la ciudad de Sarajevo. La pareja se vuelve a encontrar: él como un oficial de alto rango del Ejército Serbio y ella como una de esas chicas de las cuales abusan y las cuales intentan sobrevivir a toda costa. Ese es el argumento principal de la cinta, en donde se pueden contar muchas historias y se puede angular la narrativa a partir de un simple planteamiento.

Sobre la Guerra de los Balcanes hay muchas cosas que decir. Se cometieron actos innombrables donde los derechos humanos eran inexistentes. Hubo cientos de miles de mujeres violadas. Europa hizo casi un caso omiso a lo que tan sólo del otro lado del adriático sucedía. Además, fue una guerra racial y religiosa. Una guerra civil es doblemente dolorosa, porque son hermanos, vecinos, primos, amigos, compañeros de escuela, de trabajo, peleando unos contra otros. Hubo hambre, saqueo, francotiradores.

Enumero esto porque, honestamente, "In the Land of Blood and Honey" me pareció completamente débil en cuanto a argumento. Todo fue tocado por encima, una delgada costra de argumentos es planteada, pero en ningún momento abunda en nada. Ni siquiera en la relación amorosa. Te da un poco de esto y un poco de aquello, pero me pareció que no se concentró en nada. No en la parte política, no en la parte racial, no en la parte humana, no en la parte sentimental, no en los crímenes de guerra.

Considero, además, que cuando te metes en ciertos terrenos espinosos tienes que perder el miedo de salir raspado. Me refiero a que si vas a retratar un conflicto como el de los Balcanes, necesariamente tendrás que ser vil, gráfico, explicito y casi cruel, narrativa y visualmente, para poder transmitir con contundencia lo que realmente fue. Aquí quedó justo en el límite entre el "me atrevo pero me da miedo" y el "Lo sugiero pero no lo enseño". Resta mucho impacto y te saca de lo que en teoría podría engancharte fácilmente.

No entiendo el afán de hacer cintas habladas en un inglés con acento. Insisto: si te vas a meter a retratar conflictos de esta naturaleza, entonces vas a un público diferente y más abierto que no tendrá problemas en leer subtítulos. Si lo que quieres es concentrarte en tu mercado local, entonces puedes recurrir a actores de habla inglesa y de rasgos o apariencia eslava. Resulta nada creíble escuchar a dos soldados serbios masticando ingles: "Yes Ai teik de gons tu de mauntain juer ol de prisioners ar".

Finalmente, hay unas interpretaciones muy débiles. No se siente el sufrimiento y la devastación total que un acto, guerra y vida así provocaría en una persona. Hay secuencias absurdamente melosas y cuando se tiene que reventar en las emociones más complejas todo fue tibio. Eso es parte culpa del director de la cinta. En cuanto a producción, no hay nada que reprochar. La película está muy bien hecha y tienen una inversión considerable que no demerita calidad. Esa parte es genial. Así, tenemos un film con un argumento débil, interpretaciones tibias, ritmo disparejo y hasta denso por momentos. Muy pocos riesgos. Una película muy regular, con un tema que daba para más.

Rafael Sarmiento

Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'Shame', obsesión peligrosa

Community Manager — Mon, 05 Mar 2012 12:47:40 GMT

En 2009, la Academia Británica premió al novel Steve McQueen con el honorario Carl Foreman como debutante promesa del año. Su opera prima, "Hunger", fue reconocida con este y con una nominación más al BAFTA por su crudo y realista retrato de un grupo de convictos irlandeses republicanos en huelga de hambre. Ese mismo director, londinense afro-británico de 42 años, logró de nuevo atención y reconocimiento el año pasado con su cinta "Shame", la cual se estrena próximamente. La película participó en los festivales de cine de Venecia, Toronto, Londres y Nueva York y puso a su protagonista, el alemán Michel Fassbender, en la lista de nominados a Mejor Actor Drama en la pasada entrega del Globo de Oro.

Un joven ejecutivo neoyorkino, bien parecido, exitoso y un tanto solitario tiene un peculiar modus vivendi y unas recurrentes y un tanto bizarras prácticas sexuales. Todo se ve interrumpido cuando su desastrosa y emocionalmente torpe hermana llega a vivir con él, contraponiendo su oscuro y torcido mundo. Por primera vez, cae en la cuenta de que sus prácticas son obsesivo compulsivas, además de adictivas.

Decidí comenzar esta columna por su realizador para poder ofrecer un panorama de lo que se puede esperar de una obra como esta cuando, además, el mismo McQueen es quien escribe el argumento y guión cinematográfico. Al igual que en su pasada "Hunger", se vuelve un explorador de sentidos, emociones e instintos humanos, así como un analista de comportamientos, reacciones y vicios.

En esta ocasión, se apega a una obsesión sexual, por lo que el tema obliga a un lenguaje cinematográfico necesariamente explícito. El impacto que vive el espectador no sería el mismo si existirá la sutileza o mera insinuación de por medio. Esto no significa de ninguna forma que las cosas tengan que ser de mal gusto (y digo esta frase con los puños llenos y no con el mero cliché del "desnudo cuidado y justificado").

McQueen intenta sumergir al auditorio en el mundo torcido y oscuro de secretos, adicciones y locuras, utilizando altibajos no sólo emocionales, sino visuales. En momentos, tremendamente estético y hasta contemplativo: hay escenas de un cuidado y belleza aplastantes. Hay recursos tan simples pero tan bien ejecutados como un largo Dolly siguiendo al protagonista mientras va corriendo por una oscura calle de la Gran Manzana y, por otro lado, hay momentos muy gráficos, espejo evidente de la ansiosa y voraz sexualidad del personaje principal.

La actuación es, en mi opinión, una carrera emocionalmente peligrosa. Al interpretar, puedes meterte en espirales anímicos de mucho riesgo. Digo esto porque Fassbender viene no sólo de hacer esta cinta, pero también "A Dangerous Method", la película del – siempre loco – canadiense David Cronenberg, quien narra la interacción y amistad de Jung y Freud con una mujer y un amor muy carnal de por medio. El largometraje que fue parte de la pasada Mostra de Venecia también pone al actor en un mundo, aunque no tan sórdido como el que "Shame" retrata. En una serie de riesgos y registros emocionalmente delicados.

Muy diferentes son los personajes, registros y alcances de los dos perfiles que interpreta el originario de Heidelberg, pero no hay que perder de vista los riesgos – no sólo – emocionales, sino creativos que está tomando y hacia donde encamina su carrera. Hay blockbusters, cierto, pero hay riesgos también. Fassbender es un universo de secretos, dureza, manipulación, miedo y, quizá en momentos, autocompasión, persecución moral y arrepentimiento.

Prácticamente, la cinta recae sobre los hombros de este actor, pero hay momentos en los que fue relevado por la inglesa Carrey Mulligan, otra actriz que ha tenido un año muy interesante, en el cual, a pesar de no haber tomado los roles protagónicos, optó por participar como un apoyo demoledor en films como este o como en el muy valioso "Drive". Hay una bellísima escena de Mulligan en un bar y otra muy fuerte y dolorosa. Es, como les dije antes, un balance de estética y cuestiones gráficas más agresivas visualmente y estas no necesariamente tienen que ser sexuales.

"Shame" es una película difícil, pero con cualidades narrativas y emocionales grandiosas que la convierten en una cinta que se debe ver. Se discutió si Fassbender debió haber sido nominado por el Sindicato de Actores o si alguien ocupaba su lugar en la quinteta de Actor Principal en el Oscar. Difícil juzgar esto. ¿Qué es más difícil a nivel interpretación? ¿Parecer normal o parecer enfermo? ¿De qué ejercicio histriónico se puede echar mano de mayor cantidad de recursos?

Por cierto, McQueen y Fassbender están filmando juntos de nuevo. En esta cinta comparte créditos con Brad Pitt – con quien ya había alternado en la "Bastardos Sin Gloria", de Tarantino – y que lleva por titulo "Twelve Years a Slave". Por lo pronto, "Shame" abre en salas de México el próximo 16 de marzo en un estreno que quizá sea escalonado para las diferentes ciudades. Les dejamos aquí el tráiler.

Rafael Sarmiento

Sigue a @rafalitosarmi en twitter

'Chronicle': superpoderes adolescentes

Community Manager — Wed, 29 Feb 2012 14:04:27 GMT

Este viernes se estrena a nivel nacional la cinta "Chronicle", un thriller-sci fi obra de Max Landis y Josh Trank, quien dirige la película. Si acaso no están familiarizados con los nombres, no se preocupen. Nadie lo está.

Tenemos en frente a un par de jóvenes, prácticamente debutantes. Si bien Josh Tank (de tan sólo 25 años) tenía cierta experiencia en televisión, apenas con esta cinta comienza en la pantalla grande. Toma la batuta de un proyecto que resulta muy interesante por varios factores.

Arranquemos con el conflicto: tres adolescentes encuentran, por casualidad en medio del bosque, un enorme boquete sobre la tierra. De éste emana un sonido extraño vibratorio, acompañado de una intensa luz. Tras entrar y hacer el hallazgo de material extraño, todo cambia para estos chicos. Ahora tienen poderes sobrenaturales. Son capaces de mover objetos, de detener cosas en movimiento, tienen una fuerza extraordinaria y pueden volar.

El problema, entonces, no es que tengan esos poderes, pero cómo, en qué y hacia dónde los canalizan.

Es interesante pensarlo. Ponen el conflicto sobre la mesa, cuando uno de estos tres chicos, tocados por estos poderes, se vuelve completamente loco. Sufre bullying, maltrato en su casa. Es tímido y es el cliché del nerd adolescente de la secundaria americana. El tipo poco popular del que los fuertes abusan. Se torna una especie de Hancock teen; comienza a vengar y hacer pagar a todos aquellos que lo han lastimado o humillado.

El rencor, aunque algo completamente negativo, sigue siendo una emoción humana, hasta cierto punto normal. Una sensación que todos hemos sentido y que puede ser el cúmulo de la frustración natural de la injusticia y el abuso. ¿Qué harían ustedes? ¿Abusarían de esos poderes si los tuvieran? ¿Los emplearían para defenderse aun a la mínima provocación?

Todo lo que va sucediendo en la película está documentado en una cámara por estos jóvenes. Desde el mismo hallazgo, hasta los experimentos que realizan.

Aquí entonces tenemos otra cualidad interesante. Me pareció atractivo el hecho de que está planteada bajo esa óptica, donde la misma cámara se convierte en una especie de personaje o testigo del proceso. Si bien no es la primera vez que esto se hace, tampoco es un recurso muy utilizado. Está resuelto o justificado de muy buena forma. Hay otros personajes, bloggers, que con cámara en mano, documentan aquellas partes donde estos chicos no están grabando o bien hacen el cruce de tomas, ofreciendo las dos perspectivas de la historia.

La parte final de la película, la secuencia que le pone fin a la cinta, es un vértigo constante, plagado de angustia y tensión bien presentada. Es completamente absurda, pero está muy bien hecha. Los efectos especiales son buenos, los movimientos de cámara parte del mismo misterio, del vértigo y del ritmo ideal.

Reprocharles solamente algunas escenas en las nubes que ustedes podrán ver. Le dieron en la torre y acabaron con el enganche de una historia que aunque muy absurda, resultaba entretenida. Muy mal realizadas, un trabajo de blue screan o pantalla virtual lamentable. Casi del Chapulín Colorado en "chiquitolina", año 1983. No entiendo cómo decidieron incluir esas escenas innecesarias; aunque ya lo verán ustedes y lo juzgarán.

Nada mal la película. Muy entretenida. Bolsa grande de palomitas o pochoclo canchitas, cotufas, pop corn o como les digan. En México se estrena este viernes 02 de marzo y aquí les dejamos el tráiler.

Rafael Sarmiento

Sigue a @rafalitosarmi en twitter